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Mary Cassatt - Le bain de l'enfant

Ref : 4503 © Art Institute of Chicago Tous droits réservés.
Support :   Toile premium tendue sur châssis
Format :   20x30cm
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PAIEMENT SÉCURISÉ

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Chef-d'œuvre de Mary Cassatt inspiré par l'art japonais

Un tableau à hauteur de mère

Le point de vue est inhabituel, presque dérangeant. Le spectateur surplombe la scène depuis un angle élevé, comme penché au-dessus des personnages. Une femme en robe rayée, les manches retroussées jusqu'au coude — le poignet gauche est déboutonné pour ne pas se mouiller, un détail d'un naturalisme saisissant —, tient un enfant sur ses genoux et lui lave les pieds dans une bassine posée sur un meuble bas. L'intimité de la scène est absolue. On voit la main gauche de la mère enlacer fermement la taille de l'enfant tandis que sa main droite guide le petit pied vers l'eau avec une douceur concentrée. Mary Cassatt, qui ne s'est jamais mariée et n'a jamais eu d'enfants, a su capter avec une précision extraordinaire ce geste quotidien de tendresse maternelle — un acte banal, répété des milliers de fois dans des milliers de foyers, que personne avant elle n'avait jugé digne de la grande peinture. C'est un tableau sur le toucher autant que sur la vue : la main sur la taille, les doigts autour du pied, la joue de la mère frôlant l'épaule de l'enfant.

L'exposition japonaise de 1890 : le choc esthétique

Trois ans avant de peindre cette toile, Cassatt avait visité une grande exposition d'estampes japonaises à l'École des Beaux-Arts de Paris, en avril 1890. Le choc fut considérable. Elle écrivit à Berthe Morisot : « Vous qui voulez faire des gravures en couleur, vous n'imagineriez rien de plus beau. Il faut absolument voir les Japonais. » Cassatt fut particulièrement fascinée par les estampes de Kitagawa Utamaro, en particulier une scène de bain intitulée Gyōzui (vers 1801), représentant une mère lavant son enfant dans un baquet — une composition dont la parenté avec Le bain de l'enfant est frappante. Ce qui l'attirait dans l'art japonais, c'était la simplification radicale des formes, l'usage de grands aplats de couleur sans modelé, la perspective aplatie qui abolit la profondeur illusionniste de la peinture occidentale, et les contours nets qui cernent les figures. Pendant les trois années suivantes, elle a travaillé sur une série de gravures inspirées de ces techniques — pointes sèches, aquatintes, eaux-fortes en couleur — avant de transposer tout cet apprentissage dans cette huile sur toile de 1893, véritable aboutissement de cette longue recherche formelle.

La nudité de l'enfant : innocence et sensorialité

Les jambes pâles et droites de l'enfant, son ventre rond, ses pieds dans l'eau — cette nudité ne porte aucune charge érotique. Elle est naturelle, sensorielle, et symbolise ce que les critiques de l'époque décrivaient comme « la bonté, la pureté et l'absence d'artifice ». Cassatt a fait de la maternité son grand sujet sans jamais verser dans la mièvrerie sentimentale : ses mères ne sont ni des madones idéalisées ni des figures de sacrifice domestique. Ce sont des femmes actives, concentrées, qui accomplissent un geste technique — laver un enfant, le coiffer, l'habiller — avec compétence et tendresse mêlées. Le contexte sanitaire n'est pas anodin : dans les années 1880, plusieurs épidémies de choléra avaient frappé la France, et les campagnes d'hygiène publique encourageaient les mères à baigner régulièrement leurs enfants plutôt que de confier cette tâche à des nourrices ou des domestiques. Le bain quotidien devenait un acte de santé publique autant qu'un moment d'intimité. Les motifs du papier peint fleuri rose et de la commode verte, en arrière-plan, créent des blocs de couleur qui structurent la composition à la japonaise, tout en ancrant la scène dans l'univers clos et protecteur d'une chambre d'enfant bourgeoise.

De la galerie Durand-Ruel à l'Art Institute

Le tableau a été exposé pour la première fois en novembre 1893 à la galerie Durand-Ruel à Paris, sous le titre La Toilette de l'enfant, dans le cadre d'une exposition personnelle de Cassatt. Vendu au collectionneur américain Harris Whittemore en 1894, il a ensuite circulé entre les galeries Durand-Ruel de New York et plusieurs musées américains, contribuant à établir la réputation de Cassatt comme la principale artiste américaine de sa génération. L'accueil critique fut contrasté : le New York Times reprocha aux peintures exposées un manque d'harmonie colorée par rapport aux œuvres précédentes, tandis que le Scribner's Magazine salua la capacité de Cassatt à « préserver toute la tendresse du thème mère-enfant tout en évitant le commun et le mesquin ». Acquis par l'Art Institute of Chicago en 1910 grâce au fonds Robert A. Waller, ce tableau est devenu l'un des plus populaires du musée et l'une des icônes de l'impressionnisme américain. Sa reproduction sur toile, au format vertical de 100,3 × 66,1 cm, restitue la chaleur des tonalités — roses du papier peint, vert de la commode, blanc crémeux de la peau de l'enfant — dans un format qui s'intègre naturellement dans une chambre, un salon ou un espace familial.

Auteur : Mary Cassatt

Dimensions de l'œuvre originale : 100.3 × 66.1 cm (39 1/2 × 26 in.)

Médium : Huile sur toile

Informations complémentaires sur le copyright : Fonds Robert A. Waller


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