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Paul Gauguin - La sieste

Ref : 5552 © The Metropolitan Museum of Art Tous droits réservés.
Support :   Toile premium tendue sur châssis
Format :   26x20cm
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PAIEMENT SÉCURISÉ

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Scène de genre tahitienne, huile sur toile, vers 1892-1894

Un après-midi sous le porche

Contrairement à la plupart des toiles tahitiennes de Gauguin, « La sieste » ne convoque ni divinité polynésienne, ni récit mythologique, ni symbole ésotérique. C'est une scène de genre au sens le plus classique du terme : un groupe de femmes se repose à l'ombre d'un porche rudimentaire en bois, cherchant refuge contre la chaleur écrasante de l'après-midi tropical. L'une d'elles, étendue au premier plan, porte une longue jupe à motifs. Une autre, à droite, semble somnoler tandis qu'une troisième, assise plus en retrait, s'occupe à repasser du linge. Le calme qui se dégage de cette composition contraste avec la tension spirituelle qui habite les grandes toiles programmatiques comme « D'où venons-nous ? ».

Les robes missionnaires : un marqueur colonial

Un détail historique retient l'attention : les femmes portent des robes dites « missionnaires », ces vêtements amples régulièrement importés d'Angleterre par les missions protestantes pour couvrir les corps polynésiens. Gauguin, qui dans d'autres toiles choisissait de représenter ses modèles en paréo ou dénudées, opte ici pour ces tenues occidentalisées. Ce choix ancre la scène dans la réalité quotidienne de Tahiti coloniale, loin de l'éden fantasmé que l'artiste construisait habituellement. Le tissu imprimé de la jupe au premier plan, avec ses motifs floraux, rappelle paradoxalement les étoffes que Gauguin affectionnait dans ses compositions décoratives.

Une toile longuement retravaillée

Les examens de conservation ont révélé que Gauguin a modifié cette peinture à de nombreuses reprises. La jupe de la femme étendue au premier plan était à l'origine d'un rouge vif. Un chien occupait l'espace où se trouve maintenant le panier en osier, en bas à droite. La femme assise au bord gauche du porche se trouvait initialement plus à gauche encore. Ces repentirs multiples témoignent d'un travail de composition qui s'est étendu sur plusieurs mois — peut-être commencé à Tahiti vers 1892 et achevé après le retour de l'artiste à Paris en 1894, la question restant débattue parmi les spécialistes.

La couleur comme architecture

Comme dans toutes les toiles de sa maturité, Gauguin construit l'espace par la couleur plutôt que par la perspective linéaire. Les verts profonds du feuillage tropical, les orangés du sol et du porche, les bleus sourds des ombres : chaque zone chromatique fonctionne comme un aplat décoratif autant que comme une indication spatiale. Cette simplification radicale des formes, caractéristique du post-impressionnisme gauguinien, transforme une scène anecdotique en un arrangement plastique autonome. L'artiste rejoint ici la leçon de sa « Cabane tahitienne », où l'architecture vernaculaire sert de prétexte à une recherche formelle comparable.

La collection Annenberg au Metropolitan Museum

L'original de « La sieste », d'un grand format de 88,9 × 116,2 cm, appartient à la collection Walter H. et Leonore Annenberg, offerte au Metropolitan Museum of Art en 1993 puis complétée par legs en 2002. La provenance de la toile passe par Ambroise Vollard, le célèbre marchand qui deviendra le garant financier de Gauguin à partir de 1900, puis par le collectionneur danois Wilhelm Hansen et le baron japonais Kojiro Matsukata. Ce parcours international illustre la fortune critique d'une toile qui, sous ses dehors paisibles, a traversé trois continents avant de rejoindre les cimaises du catalogue Gauguin du MET.

Auteur : Paul Gauguin

Dimensions de l'œuvre originale : 88,9 × 116,2 cm

Médium : Huile sur toile

Informations complémentaires sur le copyright : Collection Walter H. et Leonore Annenberg, don de 1993, legs de 2002, Metropolitan Museum of Art


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